Адвертайзмент

Ура! Съемка нового лукбука наконец завершена. А в январе наши клиенты в Петербурге смогут полюбоваться новой публикацией:

Надеть искусство: с чего все началось

Когда я задумалась о создании марки одежды на основе слияния моды и современного искусства, я не исходила из исторического контекста слияния этих двух сфер. Я даже не знала, насколько тесно они были связаны друг с другом уже более 80 лет. Я лишь чувствовала "дыхание времени", видела быстро растущую популярность современного искусства в России, и буквально кожей ощущала, как во многих сферах, особенно относящихся к культуре, самые различные направления стремятся объединиться и синтезировать некий новый, более индивидуальный, продукт.

Но с чего же все началось? Кто стал первопроходцем, своеобразной "антенной", уловившей новую эпоху, и, как следствие, потребность в новых средствах самовыражения? 

В начале XX века сюрреализм витал в воздухе. Наиболее известный его представитель, Сальвадор Дали, никогда не отказывал себе в удовольствии углубляться и в другие области искусства, в которых также можно было выразить его сюрреалистические взгляды на мир. И вот, свершилось. В 1920-х гг. Дали познакомился с Жаном Кокто и эпатажным дизайнером Эльзой Скиапарелли. Именно этот творческий союз и можно считать первой в истории коллаборацией искусства и моды.

По началу, Эльза не задумывалась о дизайне одежды всерьез: творила когда хотела и что хотела исключительно для себя и друзей. Однако вскоре на нее посыпались заказы, и однажды к модельеру обратилась герцогиня Виндзорская, желающая приобрести необычное вечернее платье. Скиапарелли не могла даже представить себе, что член королевской семьи может появиться на приеме в платье, на котором изображен натюрморт из омара и петрушки. Вся сюрреалистическая одежда была столь безумна, что Эльза и Сальвадор всерьез подумывали о том, чтобы в качестве оплаты за наряды установить расшифровку снов или разгадывание загадок. Но, как известно, спрос рождает предложение, и уже в июле 1928 года мастерская Скиапарелли превратилась в настоящий модный дом с четырьмя сотнями сотрудников.

Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали, платье с омаром, 1938. На фото справа - Уоллис Симпсон, будущая герцогиня Виндзорская, позирует для Vogue.

Сотрудничество Эльзы, Дали и Кокто было непродолжительным, но весьма плодотворным. Так, Кокто вносил в совместные творения психоделические нотки, внедряя темы ночных кошмаров и психических отклонений, самым безобидным из которых была клаустрофобия. Результатом работы Дали, напротив, были объекты вполне реальные, но сюрреалистически измененные.

Эльза Скиапарелли и Жан Кокто. Жакет с имитацией распущенных волос и платье, на котором два профиля создают контур вазы с цветами.

Когда Эльза увлеклась оптическими иллюзиями в одежде, Дали помог ей в создании платья-слезы, нарисовав "исчезающие слезы", которые можно было рассмотреть только под определенным углом и с определенного расстояния.

Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали, платье со слезами, 1938.

Отдельного упоминания заслуживает любовь Эльзы к деталям. Так, Скиапарелли очень любила оригинальные пуговицы, например, здесь пуговицы-жуки из коллекции с насекомыми и пуговицы-гимнасты из коллекции "Цирк":

А вот еще один ее шедевр: колье из пластика из той же коллекции с насекомыми:

Об Эльзе Скиапарелли можно писать и говорить очень долго. Недаром она до сих пор служит вдохновением для многих дизайнеров, как зарубежных, так и российских. Интересующимся советую почитать ее автобиографию, которую она назвала как нельзя более емко: "Моя шокирующая жизнь".

Но что же дальше? Кто продолжил эту красочную тенденцию слияния искусства и моды?

Вот, к примеру, результат сотрудничества британского художника Дэмьена Херста (кстати, одного из самых дорогостоящих современных авторов) с Prada. Лимитированная коллекция дамских сумочек, украшенных настоящими насекомыми в плексигласе, под общим названием "Энтомология", была распродана молниеносно. Ничего не напоминает?)

Д. Херст также сотрудничал с брендом The Row, для которого разработал коллекцию сумок из крокодиловой кожи. Получившиеся шедевры обошлись покупателям в 39 тыс. долларов за сумку.

Наиболее широко известны коллаборации с художниками модного дома Louis Vuitton. В 2001 году креативный директор бренда Марк Джейкобс создал совместную коллекцию в художником граффити Стивеном Спраузом. Легендарный дом моды пошел на сотрудничество с уличным художником и не прогадал: сумки и шарфы с граффити стали настоящей сенсацией в мире моды. 

Чуть позже, во время сотрудничества с японским дизайнером Такаши Мураками, бутики бренда буквально превратились в "страну Мураками", а фирменные узоры на продукции Louis Vuitton окрасились во все цвета радуги.

Следующим автором, с которым в 2012 году Louis Vuitton подписал контракт, стала японская художница Яеи Кусама. Как рассказывала сама Яеи, у нее были галлюцинации, в которых ей хотелось покрыть весь мир вокруг нее орнаментом из кружочков. Пример "торговли галлюцинациями" от люксового бренда можно видеть ниже:

Создатель гигантских бабочек и букетов из стальных воздушных шариков, известный художник Джефф Кунс в 2012 году вдохновил модельера Lisa Perry на новую коллекцию. Модельер украсила платья образами из известных работ Кунса. 

И это лишь самые известные и явные примеры слияния искусства и моды. Если вкратце сказать об остальных, то, к примеру, Густав Климт делал принты и придумывал модели одежды, Yves Saint Laurent, Dior, Jean Paul Gaultier, Dolce&Gabbana использовали в своих коллекциях отсылки к искусству. В России, Надежда Ламанова, уже во время "пролетарского" периода своей работы, вдохновлялась работами Кандинского, Родченко, конструктивистов. В наши дни Татьяна Парфенова также активно использует наследие мира искусства.  

Так что теперь, занимаясь развитием своей марки PAVO CREATIONS, я знаю, на сколь большом фундаменте опыта стоит идея слияния искусства и моды. Но кое-что, все же, я стремлюсь делать по-новому: если во всех случаях подобных коллабораций художник выступает как со-дизайнер, то я использую уже готовое произведение, и, оставляя его самостоятельным и неизменным, создаю одежду на его основе, как бы "прослушав", какую ткань/форму/геометрию и т.д. диктует картина или фотография. А поскольку для каждой коллекции приглашается к сотрудничеству новый художник, то можно сказать, что в моем распоряжении действительно неиссякаемый источник вдохновения. Вот и получается, что слоган марки "live in art" ("живи в искусстве") следует понимать буквально. Давайте наденем искусство!